简约音乐（Minimal Music）
亦称“反复音乐”（repetitive music）或“系统化音乐”（Systematic music），系于本世纪60年代在后现代主义思潮及绘画、雕塑艺术中简约主义的影响下崛起于美国的新音乐流派。其创作原则在欧洲作曲家的作品中获得了日益广泛的应用。简约音乐的兴起，是对50年代以来学院派及序列主义音乐的结构愈益繁复庞杂的倾向的反拨。简约派作曲家力求将其创作素材减少到最低限度，以构筑异常简明单一、易于为人所感知的结构，作品避免多因素及多元化的发展，并排斥任何与该结构无关的表现性因素。因此，简约派音乐多由极其简单的某个动机（或动机组）长时间的多次反复构成，并以音乐素材系统化的渐次变奏作为其主要的结构原则。这种变奏手法迥然不同于传统欧洲音乐以旋律、和声及调性发展为核心的作曲技法体系，而深受东方（特别是印度）音乐、非洲音乐及爵士乐的影响，常以节奏一时间组合关系及织体等因素的细微错落变化为主，间以音响色彩或和声的发展，造成一种寓流动于静默之中的奇特情趣。简约派作曲家的创作风格十分多样。简约音乐创始人之一，特瑞·赖利常用调性音乐素材创作。他于1964年创作的最早的简约音乐作品《C调》，具有随机音乐的特色；而史蒂夫·赖希从他早期从事磁带音乐创作的经验中发展出所谓“相位转换原则”，即用数件乐器同时开始演奏同一曲调，但通过各声部演奏速度的微差，形成音响相位的偏离，从而造成逐渐变化的“对位化”声部交织；菲利蒲·格拉斯则常在动机不断反复时，逐渐将其句型加以扩展，以获得妙趣横生的变化。其他较具代表性的简约派作曲家，如拉·蒙特·扬，约翰·亚当斯，弗雷德利克·热夫斯基的创作也各具自己的特色。早期简约派音乐多局限于使用小型编制的室内重奏。后来，随着简约音乐在欧美已逐步扩展到大型管弦乐、歌剧、电影音乐等领域中。与早期简约音乐风格相比，在和声、节奏、乐器色彩的使用上更为大胆，并已开始渗入了音乐的表现性因素。简约音乐的重要代表作，除前已提及的《C调》外，有：《为十八位音乐家而作的音乐》（赖希）、为各种不同编制而作的《相位》（赖希）、《爱因斯坦在海滩上》（格拉斯）、《走到一起》（热夫斯基）、及《大钢琴音乐》（亚当斯）等。（杨立青）
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